Costa Rica no es un país que tenga mucha tradición en lo referente a crear grandes bandas de rock ni a hacer brillantes canciones pop, pero siempre se encuentran excepciones que confirman la regla. Para la jornada de hoy he elegido "Estréllame", una canción de la banda tica Gandhi que apareció como tercer single de su disco Arigato No! (2009). Desde luego que merece la pena escucharla.
La experiencia sensorial se puede completar viendo el videoclip.
Sin más truco que la utilización de la cámara negra, doce figuras irrumpen en un escenario iluminado por una luz negra que resalta el vestuario y el maquillaje de los actores. Alicia en el País de las Maravillas es una versión libre a cargo del Teatro Negro de Praga que respeta al máximo el mensaje y la esencia de los personajes de esta obra tan surrealista. La llamada técnica del "gabinete negro" con la que la prestigiosa formación ha recorrido todo el mundo tiene su origen en una forma primitiva empleada en la antigua China que más tarde se aplicó a los espectáculos de los magos.
Desde el 29 de septiembre hasta el 9 de octubre
Teatros del Canal
Sala Verde
c/ Cea Bermudez, 1 (Madrid)
M a V a las 20:30 h. S a las 18 y 20:30 h. D a las 18 h.
Hoy hace una semana que R.E.M. decidió poner fin al sueño. Han sido muchos años de buena música lo que nos han dejado, quizás no tanto en la última década en la que bajaron mucho sus dosis de creatividad. Por eso han sabido cuando debían abandonar, porque no querían repetirse.
Desde mi blog Tesoros, y como fan absoluto de R.E.M., voy a rendir homenaje a la banda liderada por Michael Stipe, recordando algunas buenas canciones, sobre todo, aquellas siempre olvidadas que no han salido en los útimos grandes éxitos de la banda, ni probablemente saldrán (siempre hay algunas excepciones) en el próximo recopilatorio que R.E.M. publicará a modo de despedida en el mes de noviembre y que llevará por título Part Lies, Part Heart, Part Truth, Part Garbage, 1982-2011. Voy a hacer un recorrido musical desde el que fue su primer álbum, Murmur (1983), hasta el recientemente publicado, Collapse Into Now (2011), rescatando las canciones que en mi opinión son, de las olvidadas, las mejores de la banda, algunas de las cuales no fueron siquiera extraídas como sencillos de sus álbumes.
Y me quedo con estas 21. Prestad oído.
1. Talk About the Passion - Murmur (1983)
2. (Don't Go Back To) Rockville - Reckoning (1984)
3. Driver 8 - Fables of the Reconstruction (1985)
4. Fall on Me - Life Rich Pageant (1986)
5. Cuyahoga - Life Rich Pageant (1986)
6. Welcome to the Occupation - Document (1987)
7. World leader pretend - Green (1988)
8. Near Wild Heaven - Out of Time (1991)
9. Country Feedback - Out of Time (1991)
10. Drive - Automatic for the People (1992)
11. Sweetness Follows - Automatic for the People (1992)
Chus Pereda ha fallecido esta misma noche a causa de una larga enfermedad a los 73 años. Pereda, nacido el 15 junio 1938 en Medina de Pomar (Burgos), desveló que sufría la enfermedad en mayo pasado, tras la conquista de la Liga de Campeones por el conjunto azulgrana en Wembley, y adelantó que ya estaba siendo sometido a tratamiento de quimioterapia y que no tenía miedo, porque lucharía hasta el final por su recuperación.
El ilustre futbolista que jugó en FC Barcelona, Real Madrid y Sevilla, vistió de azulgrana durante 8 temporadas entre 1961 y 1969. Fue en el Barça dónde alcanzó su plenitud futbolística donde disputó 312 partidos y marcó 107 goles.
Pereda, que fue internacional con la selección, fue uno de los artífices que consiguió ganar la Eurocopa'64 para después llegar a convertirse en seleccionador nacional.
El entierro se celebrará el miércoles a las 13:15 en el Tanatorio de Les Corts.
La Maison en Petits Cubes es un cortometraje japonés de animación creado en 2008 por Kunio Kato, con música de Kenji Kondo.
Ganó varios premios, el más importante de los cuales es el Gran Premio de cortometrajes (Cristal de Annecy) en el Festival Internacional de Cine Animado de Annecy de 2008 y el Premio Oscar al Mejor Cortometraje de Animación en 2009.
El corto La Maison en Petits Cubes cuenta una entrañable historia de vejez, centrándose en un personaje principal solitario que después de ver cómo se inunda su hogar debido al calentamiento global, se sumerge en las profundidades del océano y realiza un viaje de imágenes, a través de su memoria, encontrándose con lo que tenía en el pasado y comparándolo con el presente.
Merece la pena dejarse llevar por este tesoro de 12 minutos. Disfrutadlo.
La Galería Soledad Lorenzo inaugura la temporada y celebra su 25 aniversario con una exposición conjunta de Jorge Galindo y Julian Schnabel. Ambos se conocieron en un curso impartido por el autor neoyorquino en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Desde entonces, mantienen su amistad y comparten una relación de respeto profesional.
En la exposición actual, que se puede visitar hasta el 11 de octubre, Julian Schnabel (1951) presenta tres obras en gran formato de óleo sobre poliéster, con fotografías de arquitecturas de estilo oriental impresas sobre tela e intervenidas con abstracciones pictóricas coloristas; seis 'polaroids' de medio formato, que contienen trazos y manchas en tinta púrpura; y cuatro mapas sobre los que también ha aplicado pintura.
Mientras que Jorge Galindo (1965) nos muestra obras de gran formato con imágenes yuxtapuestas en forma de 'collages', centradas en el cuerpo femenino y su imagen descontextualizada; así como una instalación con reconocidos vinilos musicales.
La costa de la utopía escrita por el autor británico Tom Stoppard que fue estrenada en Londres en 2012. Compuesta por los capítulos Viaje, Naufragio y Rescate, trata los orígenes del pensamiento radical de izquierdas en la Rusia del siglo XIX. La producción que ahora llega a nuestro país es la dirigida por el dramaturgo Alexei Borodin al frente del Teatro Académico de la Juventud de Rusia.
Las tres obras son independientes, aunque los protagonistas son los mismos, apareciendo en distintos escenarios espacio-temporales a lo largo de tres décadas. Espectáculo en ruso con subtítulos en castellano (Madrid) y catalán (Barcelona).
Fechas: desde 28 de septiembre de 2011 hasta 1 de octubre de 2011 Teatro: Teatro Valle-Inclán (Centro Dramático Nacional) Plaza de Lavapiés (Madrid) X 28: 'Viaje' (3 h. con intermedio). J 29: 'Naufragio' (2.30 h. con intermedio). V 30: 'Rescate' (3 h. con intermedio). S 1: trilogía completa (de 12 a 15 h.; de 16 a 18.30 h.; y de 19 a 22 h.). Precios: 15 y 18 euros. Autor: Tom Stoppard Compañía: Teatro Académico de la Juventud de Rusia Director: Alexei Borodin Intérpretes: Peter Krasilov, Irina Nizina y Alexander Ustjugov
Hoy, como el pasado viernes, repito la operación y sigo con una canción en español de gran nivel. Se trata de "Maldito viernes" y pertenece al disco La nada (2007), del maestro Carlos Ann.
Después de 31 años de carrera, R.E.M. (una de las bandas más influyentes de la música rock) anunció hace unas pocas horas, a través de un breve comunicado en su página web, su separación definitiva como grupo. A partir de ahora sus integrantes continuarán su camino como solistas.
"Nos alejamos con un gran sentido de gratitud, de finalidad y de incredulidad ante todo lo que hemos logrado. A todo el que alguna vez se haya sentido tocado por nuestra música, nuestro más profundo agradecimiento por su atención", dice el mensaje publicado en la web de la banda de Athens integrada por Peter Buck, Mike Mills y Michael Stipe.
Cada miembro del grupo ha querido aclarar el motivo y dejar un mensaje a sus fans:
"Durante nuestra última gira, y mientras hacíamos Collapse Into Now y elaborábamos una retrospectiva de grandes éxitos, empezamos a preguntarnos, ¿Y ahora qué?. Trabajando a través de nuestra música y los recuerdos de más de tres décadas fue un infierno de un viaje. Nos dimos cuenta de que estas canciones parecen dibujar una línea natural en los últimos 31 años de nuestro trabajo conjunto", escribe Mills, y continúa "Siempre hemos sido una banda en el verdadero sentido de la palabra. Hermanos que verdaderamente se quieren y se respetan unos a otros. Nos sentimos como verdaderos pioneros en esto. No hay falta de armonía aquí... Hemos tomado esta decisión en conjunto, de manera amistosa y con el interés por lo mejor para los demás de corazón".
Michael Stipe, el líder de la banda agregó: "un hombre sabio dijo una vez 'la habilidad de asistir a una fiesta es saber cuándo es el momento de marcharse'. Hemos construido algo extraordinario juntos. Lo hicimos. Y ahora vamos a alejarnos de esto". Y concluye así su nota: "Espero que nuestros fans se den cuenta de que no ha sido una decisión fácil, pero todo debe terminar, y queríamos hacerlo bien, hacerlo a nuestra manera".
Peter Buck añade: "Una de las cosas por las que siempre ha sido fantástico estar en R.E.M. es el hecho de que los discos y las canciones que hemos compuesto han significado tanto para los fans como para nosotros. Fue y sigue siendo importante para nosotros para hacer lo correcto para vosotros. Formar parte de vuestras vidas ha sido un regalo increible. Gracias".
Sin duda alguna es una terrible noticia para todos los que somos auténticos fans de esta banda, pero nos queda tras esto su música: tres décadas de trabajo y un valiosísimo legado. De sus 15 discos en su trayectoria musical me gustaría destacar los álbumes Murmur (1983), Document (1987), Out of Time (1991), Monster (1994), New Adventures in Hi-Fi (1996), Up (1998) y Reveal (2001).
Y les digo adiós recordando una de las canciones de su disco Up, el más ambicioso de todos los que publicaron.
El pasado fin de semana se estrenó con éxito en España la última película de Terrence Malick. Esta vez ha titulado a su criatura El árbol de la viday en ella el espectador, según los más entendidos, va a vivir una experiencia cinematográfica única. En palabras de Jordi Revert (LaButaca), la película es un poema visual de inagotable belleza [...] capaz de equiparar en intimismo el nacimiento del Universo y el microcosmos de una familia.
Tras unos días en cartel, y ya ha recaudado cerca del millón de euros, ya son muchos los espectadores que difieren de las sobrevaloradas alabanzas que ha recibido esta película por parte de los resabiados críticos. El hecho es que a casi nadie que ha podido ir a verla le ha gustado esta nueva creación de Malick. Yo no la he visto aún, pero no me creo que sea para tanto como dicen los críticos. Además, no me suelo fiar lo más mínimo de los directores que necesitan madurar mucho tiempo sus películas, en el caso de Terrence tanto como seis años desde la interesante El nuevo mundo.
El film, ambientado en los años 50, narra la evolución de Jack, un niño que vive con su madre (Jessica Chastain), que encarna el amor y la bondad, mientras que su padre (Brad Pitt), que representa la severidad, es el encargado de enseñarle a enfrentarse a un mundo hostil. Sean Penn interpreta a Jack en la vida adulta. Por otro lado, la película trata también la historia del Universo desde sus orígenes.
Vamos, que tiene una pinta un poco rara la película.
En el post anterior de Versiones de diez, si os acordáis, reuní 10 canciones españolas versionadas respectivamente de otras diez canciones originales de artistas o grupos españoles de primer nivel. Sin embargo, hoy es el momento de recordar diez de las canciones internacionales mejor versionadas de las últimas décadas, que dejan a sus respectivos originales poco menos que anticuados.
Estas son las diez canciones elegidas para la ocasión. Nuevamente, por orden subjetivo de preferencia. Como sabéis, indico entre paréntesis el artista de la canción original.
1. Hallelujah - Jeff Buckley (Leonard Cohen)
Hallelujah fue escrita en 1984 por Leonard Cohen para ser publicada en su disco Various Positions. Una década después, Jeff Buckley desempolvaría la canción hasta pulirla y hacerla suya. Una joya de versión.
2. Always on my mind - Pet Shop Boys (Elvis Presley)
Una de las mejores canciones del rey del rock and roll versionada en clave electrónica por un grupo de los grandes, una de las mejores versiones existentes hasta el momento.
3. Mad World - Gary Jules (Tears for Fears)
Donnie Darko, una de las pelis que la gente ama como si no hubiera otra peli igual (por cierto, a mi no me convenció en absoluto) contenía este tema en su B.S.O. Mientras que la original de Tears for Fears, grabada en 1982, contenía verdaderos juegos pirotécnicos de sintetizadores y percusión, la versión de Gary Jules queda desnuda de todo eso y a la voz de Jules sólo se le añaden unos acordes de piano y violonchelo.
4. Respect - Aretha Franklin (Otis Redding)
Otis Redding escribió esta canción en 1965 que sonaba genial, pero no tanto como tres años más tarde la versión de Franklin. Esta se convierte en la canción emblema del movimiento feminista y está considerada como una de las mejores canciones del R&B de todos los tiempos. No es para menos.
5. Don't Leave Me This Way - The Communards (Harold Melvin & The Blue Notes)
The Communards fue capaz de darle un toque ochentero al clásico de Melvin y lograr hacer una de las mejores versiones que se recuerdan de esta canción.
Hacer una versión de una canción de una banda legendaria como Pink Floyd es para tipos atrevidos. Estos de Scissor Sisters lo fueron y firmaron una versión espectacular.
7. Blue Monday - Orgy (New Order)
La banda de rock Orgy grabó en 1998 esta más que aceptable versión de Blue Monday.
8. Only Love Can Break Your Heart - Saint Etienne (Neil Young)
La banda inglesa Saint Etienne grabó esta versión del clásico de Neil Young en su álbum de debut. Fue el primer sencillo de la banda. Con respeto a Neil, un poco por encima del original.
9. I Just Can't Get Enough - Nouvelle Vague (Depeche Mode)
Qué pensarían Dave Gahan, Martin L Gore y Andy Fletcher la primera vez que escucharon la versión que hizo la banda francesa de lounge Nouvelle Vague de uno de sus absolutos éxitos. Hay versiones a porrillo sobre esta canción, muchas mediocres, esta tiene su punto y no es de las peores.
10. It's not over yet - Klaxons (Grace)
Del original de Grace al de Klaxons han transcurrido doce años y se notan muchas diferencias entre la una y la otra. La versión de Klaxons (2007), la más conocida de It's not over yet, no considero que tenga mayor calidad que la original, pero sí sirve para poner de manifiesto el buen hacer y el poderoso sonido, sello característico de los Klaxons.
Nos encontramos en Nápoles, años 40. Cuatro niños juegan alegremente al fútbol, pero su balón termina accidentalmente en el patio de la casa de una vieja. Ésta les coge el balón para que no vuelvan a jugar. La venganza será terrible... porque hay cosas que nunca se olvidan.
Este es el punto de partida de Porque hay cosas que nunca se olvidan, un cortometraje con matices de comedia negra dirigido por el argentino Lucas Figueroa. Este corto de financiación plenamente española, rodado en italiano en un pueblo de Segovia, ha entrado en el Libro Guinness de los Records por ser galardonado con la friolera de cerca de 300 premios a lo largo de dos años.
Figueroa contó para el corto con la colaboración testimonial de los futbolistas Amadeo Carboni y Fabio Cannavaro.
Shelby Lee Adams lleva más de 36 años fotografiando el alma y los pobladores de los Apalaches. Su obra se encuentra en los más prestigiosos museos, fundaciones y colecciones del mundo (International Center of Photography de New York, Musee De L'Elysee Lausanne,Museum of Modern Art de New York, The National Gallery of Canada,Stedelijk Museum de Amsterdam,Victoria and Albert Museum de Londres,Art Institute de Chicago,Colección de Rockefeller Center…), y se ha plasmado en varios libros y en el documental “The True Meaning of Pictures; Shelby Lee Adams’Appalachia” presentado en el Festival de Sundance 2003.
Desde 1974, y casi ininterrumpidamente, Shelby fotografía una de las regiones más atrasadas de Estados Unidos, en los confines de Kentucky, Tennessee y Virginia. Ahora es conocido allí como picture man (el hombre de las fotos), pero para llegar a ser aceptado ha debido salvar barreras sociales muy difíciles de franquear.
“Los niños han crecido viendo mis fotografías colgadas en las casas de sus padres y de sus abuelos. Esperan que yo les fotografíe, ni siquiera se establece una conversación, es simplemente algo que hacemos, es lo que yo llamo una relación sin costuras. Tenemos que aprender y comprender que las gentes del medio rural son tan importantes como cualquier otra persona y que, de hecho, tienen muchas cosas que enseñarnos”
“El propósito de mi trabajo es extender la aceptación del otro, especialmente de aquellos que se salen de lo convencional, expandir la tolerancia y la diversidad de la humanidad.”
La sociedad que describe es un mundo aparte, fuera de la norma, una lejana comunidad de los Apalaches a la que sus convicciones religiosas -pentecostalistas- aísla de las influencias exteriores.
Uno de los blogs que más visito últimamente se llama Somos ochenteros. Es un lugar de la blogosfera, al que tengo verdadero aprecio y cariño, que va dirigido a los auténticos nostálgicos que quieren echar una mirada al pasado y, especialmente, a aquellos que han nacido en la década de los ochenta. Como reza su subtítulo ("tu web de los 80"), es una bitácora dedicada a recordar en su esencia la sociedad, los hábitos y la cultura popular de los años 80, indudablemente una década plagada de talento en todas las facetas humanas.
Cada día los chicos de Somos ochenteros (Kassiopea y Jordi) trabajan con verdadero entusiasmo para ofrecer a sus varios centenares de lectores diarios una variedad de temas novedosos que hacen de este blog una página de obligada lectura. Los aspectos que más se tratan en Somos ochenteros suelen ser los culturales (anuncios tv, cine, moda, música, programas tv, series tv, series infantiles, tecnología) y hay otros más secundarios en los que se suelen contar anécdotas de la época (recomiendo dos secciones: Nos dejaron y Qué fue de...).
Poco más he de decir sobre este más que interesante blog. Me falta únicamente dar la enhorabuena a los creadores por la original idea que se les ocurrió en su momento, e instar a mis pocos pero fieles lectores a perder unos minutos de su vida en echarle un vistazo a este entretenido blog. A propósito, es éste.
Viene estupendo una bitácora como esta para darnos cuenta, sólo a veces, de que tiempos pasados fueron mucho mejores.
A partir de hoy, y en posteriores viernes, publicaré en este blog una entrada que incluirá su pertinente canción o vídeo, o quizás las dos cosas, según lo considere, con la finalidad de recordar algunas de las grandes canciones de la música contemporánea.
Y para el día de apertura he elegido una canción en español. Se trata de "La antesala del dolor", interpretada por el músico granadino José Ignacio Lapido y perteneciente a su disco En otro tiempo, en otro lugar (2005). Disfrutadla.
Ayer, después de mucho tiempo sin hacerlo, tocó ir al cine. Sí. Y vi una película francesa que ha tenido muy buena recepción tanto por parte de la propia crítica francesa como por los medios afines internacionales.
Me pregunto qué película habrán visto estos intelectuales del séptimo arte, porque la película que vi yo en el día de ayer no corresponde en absoluto con los calificativos que le han dedicado los críticos y que a continuación cito.
Roger Ebert opina muy bien de ella: "Una bella y desconcertante película. La calidad enigmática de la interpretación de Huppert nos arrastra". "Una propuesta fascinante" se atreve a decir Salvador Llopart en el periódico La Vanguardia. Nando Salvá (Cinemanía) llega aún más lejos y hace su particular radiografía de la película: "Maravillosa descripción del orgullo colono blanco encarnada con pericia por Isabelle Huppert". Y, para colmo, quedan las palabras de Sergi Sánchez (Fotogramas): "En la que debe ser su obra maestra, Claire Denis filma la piel del continente africano". En los medios franceses, como no podía ser de otra manera, casi que la ensalzan como la mejor película de la década: "Una gran película" (Excessif), "Políticamente incorrecta y artísticamente admirable" (Marianne), "Excepcional Huppert" (Télécinéobs), "Magnífica" (L'Express).
Ni que decir tiene que es la primera película en la carrera de la directora francesa que se proyecta en España (dos copias en Barcelona y otras dos para Madrid). Algo de significativo tendrá este hecho palmario. Puede que su cine no interese prácticamente a nadie. Es lo que me temo.
Y es que Una mujer en Áfricaes una película de esas difícil de ver y de digerir. La película en sí se puede entender como un puzzle de secuencias mal cohesionadas, con un ritmo lentísimo, y una inacción y falta de tensión apabullantes. La película cuenta con muy pocos diálogos, no más de cincuenta, y el guión no es precisamente formidable. La historia, además, se podía haber contado de otra manera, más a la manera tradicional, y lo peor del filme es la pobre sensación que te queda de sus personajes, unos personajes mal dibujados que desfilan durante el metraje sin saber el espectador nada de ellos, ni lo que piensan ni sienten. No es posible creerte su intervención en la película e incluso no lo arregla el trabajo de Isabelle Huppert, que mira a la cámara pero no llega a convencer, ni a conmover al espectador. No tendría mucho sentido hablar del argumento de la película, pero si os apetece saber de qué va, podéis pinchar aquí.
No obstante, la película posee una gran carga simbólica, una excelente fotografía y te queda la ligera y esperanzadora sensación de que has visto un cine diferente que intentaba ser inteligente, pero que se ha quedado por el camino. Os confieso que no volveré a ver una película más de Claire Denis.
Voy a obviar la ficha artística y técnica, pero sí que adjunto el tráiler, más que nada para que os hagáis una idea aproximada de lo que trata la película.
Enrique San Francisco y Cristina Gallego dan vida a Isabelle y Martín, una joven pareja moderna que, aunque no sean fieles, se quieren y no pueden pasar el uno sin el otro. El problema empieza el día de la boda cuando, a la hora de pronunciar el "si quiero" ante el Alcalde de Cavaillon, ambos dudan. Y después llegarán las traiciones, las discusiones, las diferencias entre uno y otro...
Gabriel Olivares dirige ¡Se quieren!, una comedia basada en diversos textos de Muriel Robien y Pierre Palmade en los que se plantea la siguiente cuestión: ¿existe vida después de la ruptura matrimonial?
