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jueves, 20 de marzo de 2014

El taller de Picasso


La Fundación Mapfre de Madrid (Paseo de Recoletos, 23) exhibe hasta el 11 de mayo la muestra Picasso. En el taller, una gran exposición que recorre la obra de uno de los genios de la pintura del siglo XX a través de los distintos estudios en que trabajó y vivió. La muestra reúne cerca de 80 lienzos, 60 dibujos y grabados, 20 fotografías y más de una decena de paletas del artista.

La exposición se compone de obras procedentes de 30 prestigiosas colecciones y una parte muy importante de ellas procede de colecciones particulares, por lo que se han mostrado en muy pocas ocasiones al público.

La muestra se inicia con el famoso Autorretrato con paleta, de 1906, y concluye con el también autorretrato Hombre en el taburete, de 1969, presentado por única vez en la primera exposición del Palais des Papes de Avignon en 1970, la penúltima muestra en vida del genio. Entre ambas obras, en las que Picasso se autorrepresenta como pintor, transcurren más de 60 años de su vida artística, en los que el artista trabaja en diferentes estudios en el Bateau Lavoir, el Boulevard de Clichy, el Boulevard de Raspail, La Boétie, Boisgeloup, La Californie y, finalmente, Mougins... En todos ellos, el taller se convierte, a la vez, en espacio de experimentación y motor de reflexión sobre el ritual y el trabajo del artista en la tradición pictórica. Sus talleres se convierten en "paisajes interiores" (tal y como él los llamaba), en recintos sagrados que representan la crónica de sus vacaciones estilísticas e iconográficas.

Picasso. En el taller
Fundación Mapfre
Paseo de Recoletos, 23 (Madrid)
Renfe Recoletos, Metro Colón
Horario: L, de 14 a 20 h; M a S, de 10 a 20 h; D y festivos, de 11 a 19 h.
Precio: Entrada gratuita

Fuente: http://www.exposicionesmapfrearte.com/picassotaller/es/
Imagen: muyociosos

viernes, 7 de febrero de 2014

Arcimboldo en Fundación Juan March


La Fundación Juan March presenta hasta el 2 de marzo la exposición de pequeño formato Giuseppe Arcimboldo. Dos pinturas de Flora, en la que por primera vez se mostrarán públicamente dos magníficos óleos sobre tabla pintados por el artista italiano, uno en 1589 y el otro alrededor de 1590.

"Flora" y "Flora Meretrix", las obras que constituyen esta muestra, pertenecen a colecciones particulares y no han formado parte de las últimas grandes exposiciones sobre el artista. Ambas fueron celebradas en su momento como obras maestras y son dos ejemplos de las "cabezas compuestas" de Arcimboldo, realizadas con el excepcional virtuosismo de un miniaturista.

En estas obras, el artista conforma ambas cabezas y bustos a base de flores, pequeños animales y otros elementos del mundo natural, elegidos con precisión y relacionados con el asunto a representar, pero únicamente reconocibles al contemplar de cerca las obras.

Fundación Juan March
c/ Castelló, 77
Madrid
Horario: L a S, de 11 a 20 h.; D y fest. de 10 a 14 h.

Fuente: http://www.europapress.es/cultura/exposiciones-00131/noticia-floras-giuseppe-arcimboldo-fin-juntas-20140131141901.html

Imagen: noticias.lainformacion.com

viernes, 11 de octubre de 2013

"España contemporánea. Fotografía, pintura, moda"


La Fundación Mapfre abre la oferta cultural de otoño con la exposición España contemporánea. Fotografía, pintura, moda. En ella el visitante puede disfrutar de un recorrido por los últimos 170 años de historia de nuestro país a través de una cuidada selección de fotografías, pinturas y trajes femeninos.

España contemporánea

Hasta el 5/1/2014
Lunes, de 14 a 20 h.; martes a sábado, de 10 a 20 h.; domingos y festivos, de 11 a 19 h.
Entrada gratuita
Paseo de Recoletos, 23

Cartel: tfeditores

martes, 25 de junio de 2013

"El Papel de la Movida. Arte sobre papel en el Madrid de los ochenta"


Más que una muestra sobre la Movida madrileña esta exposición es, tal y como el subtítulo aclara, un muestreo del arte sobre el papel que se generó en Madrid (o confluyó en esta ciudad) y del influjo que ese movimiento tuvo en el panorama artístico de aquellos años: de su mano se abrieron muchas puertas interdisciplinares que hasta entonces parecían muy bien cerradas, y nació, entre otras muchas iniciativas, una sección tan renovadora como fue en su momento "Gente y aparte" que vio luz en las páginas sabatinas de ABC en abril de 1987, cuando parecía llegado el momento de recapitular (si aplicamos el criterio de Warhol para medir las décadas) sobre unos años tan movidos e irrepetibles.

Sin ser una exposición sobre la Movida, aunque la incluya, esta muestra trata de poner en valor el arte sobre el papel y el papel del arte en la década más intensa de que tengamos memoria los españoles, porque todas las obras que en ella se presentan tienen como único denominador común el papel como soporte.

Comisariada por Pablo Sycet, la exposición incluye 500 piezas de 200 creadores, entre las que se pueden contemplar guiones originales de Almodóvar, cómics de Mariscal, fotos de Alberto García-Alix, retratos de Rossy de Palma como musa, portadas de Juan Gatti o letras de Alaska, entre otras curiosidades.

El conjunto exhibido tiene un especial interés porque una gran parte de estas creaciones no se había mostrado antes al público, bien por ser material de trabajo (como en el caso de los figurines de moda, los guiones de cine, los manuscritos literarios y los originales de pintores para la edición de serigrafías), bien porque pasaron directamente de las manos de sus autores a las de sus propietarios (como ocurre con muchas de las pinturas y dibujos expuestos) o porque solo pudieron verse muy fugazmente, como es el caso de las obras de la sección "Gente y aparte", o de la selección de portadas originales de LP creadas por artistas de muy diversas disciplinas y procedencias para la exposición "Su disco favorito", de 1981.

El Papel de la movida. Arte sobre papel en el Madrid de los ochenta

Museo ABC de Dibujo e Ilustración
c/ Amaniel, 29-31 (Madrid)
Hasta el 22 de septiembre
Martes a sábado, de 11 a 20 h.
Domingos y festivos, de 10 a 14 h.
Entrada gratuita

Foto: lne.es

viernes, 21 de junio de 2013

"Giacometti. Terrenos de juego", en Fundación Mapfre


Durante las últimas semanas la exposición que hoy nos ocupa se ha publicitado hasta la saciedad. No ha habido medio de comunicación que no se hiciera eco de la muestra de Alberto Giacometti en la madrileña Fundación Mapfre. Tal ha sido la insistencia de los medios que a más de uno nos habrán convencido para acudir a verla. 

Giacometti. Terrenos de juego es una exposición coproducida por la Fundación Mapfre y la Hamburguer Kunsthalle de Hamburgo que reúne cerca de 190 piezas (esculturas, grabados, dibujos y fotografías) del pintor y escultor suizo, uno de los artistas más destacados de las vanguardias del siglo XX.

Las distintas salas nos introducen en el cosmos estético y espiritual de Giacometti desde sus años de juventud, cuando queda fascinado por la magia de África y Oceanía y adopta un lenguaje próximo al cubismo, hasta su frustrado proyecto escultórico de grupo con figuras de tres metros de altura para la explanada del Chase Manhattan Bank de Nueva York. En medio, una insaciable búsqueda de espacios, volúmenes y relaciones entre el artista y sus figuras.

Giacometti. Terrenos de juego

Fundación Mapfre
Sede Paseo Recoletos, 23 (Madrid)
Hasta el 4 de agosto
Lunes: 14 a 20 h.
Martes a sábado: 10 a 20 h.
Domingos y festivos: 11 a 19 h.
Entrada gratuita

Foto: lacomarcadepuertollano.com

sábado, 3 de noviembre de 2012

"Mitografías. Mitos en la intimidad"


Mitografías. Mitos en la intimidad ofrece una visión original, cercana y personal de diez de los nombres más relevantes y universales del siglo XX, a través de un conjunto de imágenes íntimas, particulares y familiares desconocidas para el gran público.
 
La exposición, producida por la Fundación Canal, aportará una visión inédita y diferente desde el punto de vista tanto personal como fotográfico de personalidades emblemáticas en distintos ámbitos como el arte, la política, la ciencia, la literatura y las artes escénicas.

Mitografías refleja la faceta más personal de Pablo Ruiz Picasso y Salvador Dalí, Winston Churchill y Mahatma Gandhi, Albert Einstein y Marie Curie, Camilo José Cela y Ernest Hemingway, y de María Callas y Charles Chaplin; a través de fotografías que muestran momentos íntimos, entornos familiares, aficiones, escenas de afecto y de amistad, etc.
 
Mitografías. Mitos en la intimidad
 
Fundación Canal
c/ Mateo Inurria, 2
Hasta el 5 de enero 2013
Laborables y festivos: de 11 a 20 horas
Miércoles: hasta las 15:00
Entrada gratuita
 
 
Foto: elcultural.es

miércoles, 31 de octubre de 2012

"Born To Run - Doctor Music 30 Años"

 
El Círculo de Bellas Artes de Madrid presenta la exposición Born To Run - Doctor Music 30 Años, una colección de imágenes, sonidos, objetos y recuerdos que recorren la historia viva de la promotora de conciertos Doctor Music. La promotora, fundada el 12 de febrero de 1982 por Neo Sala, sigue siendo la única entidad empresarial independiente del sector tras treinta años de éxitos a nivel mundial.
 
Nacido en Tremp (Lleida), Sala y la promotora de conciertos ayudaran a que "España dejara de ser un desierto cultural y musical, y se convirtiera en cita obligada de cualquier gira mundial de primer nivel", explica la promotora en un comunicado.
"Hoy en día, vemos como absolutamente normal acudir a un concierto, tenemos una gran oferta y la música en vivo es una de las actividades más demandas en nuestro país, pero no olvidemos que antes de aquel 1982, era algo insólito", sostiene Doctor Music.
Ahora, el legado de esos treinta años de existencia de Doctor Music sale por primera vez de los archivos y las colecciones particulares, y la exposición, abierta al público hasta el 2 de diciembre, supone una oportunidad para mostrar la evolución del mundo de la música, a través de imágenes inéditas, documentos, objetos, diseños y audiovisuales, vinculados a los más grandes artistas internacionales, auténticos iconos de nuestra época.
Foto: efeme.es

viernes, 26 de octubre de 2012

Exposicion "Goya y el infante Don Luis: el exilio y el reino"

 
En 1783 Goya pasa un mes en el palacio de Arenas de San Pedro donde tenía su pequeña corte el Infante Don Luis, alejado de Madrid por sus nupcias morganáticas con doña María Teresa de Vallabriga. Esta estancia se repitió en el verano de1784. La relación con la familia fue muy fructífera, no solo por el célebre retrato titulado La familia del Infante Don Luis, sino por una secuencia de retratos individuales de todos sus miembros. El conjunto superó la quincena y fue crucial para la carrera artística de Goya que se destapó clamorosamente durante la década de 1780.
 
La exposición, que presenta 300 piezas, entre ellas 17 obras de Goya, completa ese conjunto goyesco con la obra de otros pintores que también formaron parte de este círculo cortesano: Luis Paret, Mariano Salvador Maella, Francisco Bayeu, Luis Meléndez, Mengs y Tiépolo.
Asimismo, el alcance de la muestra no se restringe a lo pictórico, sino que recoge una selección significativa de artes decorativas y documentos gráficos, que manifiestan la importancia del Infante don Luis, como eje del selecto círculo cortesano de Arenas de San Pedro.
 
Goya y el infante Don Luis: el exilio y el reino
Palacio Real
c/ Bailén, s/n
Todos los días de 10 a 20 horas.
Precio: 5 €; reducida, 3 €.
 
 
Imagen: fundacionbancosantander.com

miércoles, 24 de octubre de 2012

"HONNI soit QUI mal y pense"

 
La Casa Encendida acoge, coincidiendo con su décimo aniversario, la exposición HONNI soit QUI mal y pense, una selección de esculturas, dibujos y grabados sobre tela y sobre papel que la artista Louise Bourgeois (París, 1911 - Nueva York, 2010) realizó en sus últimos diez años. El conjunto exhibido permite contemplar los principales temas que esta artista, una de las creadoras más interesantes de las últimas décadas, abordó en su producción. De las más de 60 obras que componen la muestra, sólo dos de ellas -'Rejeccion' y 'Seven in bed'- se han podido ver antes en España, en la exposición que le dedico el CAC de Málaga en 2004.
Autora infatigable, Louise Bourgeois no dejó de trabajar hasta su muerte, con casi cien años de edad. En 1982, el MoMA le dedicó una retrospectiva que supuso la primera exposición individual de una mujer en el museo neoyorquino. En toda su obra aparece un claro elemento autobiográfico y a su vez representa un ejemplo del célebre eslogan del feminismo "lo personal es político", aunque no se la puede calificar de feminista en sentido estricto.
En paralelo a la exposición, todos los miércoles de octubre a enero, se proyectarán alternativamente dos documentales sobre Louise Bourgeois en la sala audiovisual. Y todos los sábados y domingos de noviembre y diciembre, el ciclo de cine contemporáneo 'Al hilo de Louise' presentará interesantes propuestas dirigidas en los dos últimos años por mujeres.
 
HONNI soit QUI mal y pense
La Casa Encendida
c/ Ronda de Valencia, 2 (metro Embajadores)
Hasta el 13 de enero
Entrada libre
 
Foto: lacasaencendida.es

sábado, 13 de octubre de 2012

"Torres y rascacielos. De Babel a Dubái"

La exposición ofrece un recorrido por la historia de la construcción de torres y rascacielos, partiendo del mito de la torre de Babel, una construcción que desafiaba las leyes naturales y el poder divino y que fue una fuente de inspiración para pintores europeos desde el siglo XIII al XIX, hasta los rascacielos proyectados en el siglo XXI.
 
Desde la creación del mito de la torre de Babel hasta la aparición de los primeros rascacielos en el año 1850 en los Estados Unidos, el modelo se ha reproducido regularmente en el mundo entre los siglos XX y XXI. Las torres reflejan uno de los aspectos más importantes de la modernidad y constituyen referencias indispensables en términos de planificación urbana. El rascacielos es uno de los iconos de la modernidad. La imagen del rascacielos ha pasado a convertirse en una respuesta interesante a la falta de espacio, no solo en las grandes ciudades de occidente, sino en todo el mundo.
 
Esta exposición ambiciona explorar, a través de pinturas, grabados, dibujos, maquetas, fotografías y filmes, la diversidad de arquitecturas que a través del tiempo han demostrado una búsqueda de lo inaccesible, por su desmesura y por su deseo de vencer cualquier límite material.
 
 
Torres y rascacielos. De Babel a Dubái.
 
Caixaforum Madrid
Paseo del Prado, 36
De 10 a 20 h.
Hasta el 5/1/2013
 
 
 
Foto: periodistadigital.com

martes, 11 de septiembre de 2012

"Los años de la dolce vita"


Una exposición que no podéis dejar de ver si estáis en Madrid es Los años de la dolce vita. La muestra recrea el ambiente de la famosa película de Fellini y explora la era de oro cinematográfica que vivió Roma en los años 50 y 60, a través de una amplia selección de fotografías históricas, trajes, diseños, dibujos y vídeos.

Fue una época en la que todo Hollywood iba a rodar a la ciudad eterna: Kirk Douglas, Elizabeth Taylor, Richard Burton, Charlton Heston, Cary Grant, Clint Eastwood, Jane Fonda, Joan Collins, Audrey Hepburn, Gregory Peck, Anthony Hopkins, Jack Lemmon, Rita Hayworth, Rock Hudson, Robert Mitchum, Anthony Perkins, James Stewart, Alain Delon, Romy Schneider, Alfred Hitchcock, Brigitte Bardot, Sofia Loren y Gina Lollobrigida son solo algunas de las figuras que pasaron por allí.

En la exposición se pueden ver 160 imágenes procedentes de las colecciones de algunos de los fotógrafos más ilustres de la época: Arturo Zavatinni, Marcelo Geppetti y Tazio Secchiaroli. Asimismo se muestran archivos de los fondos de la Fundación Solares del Arte de Parma; dibujos y fotografías de grandes actrices que llevaron las joyas de Bulgari; una selección de ña reconocida sastrería Brioni con dibujos, fotografías, trajes de la época y un vídeo del primer desfile masculino de 1952; diseños de Valentino y Balenziaga procedentes del Museo del Traje de Madrid; y un documental realizado por el periodista, crítico y director de cine Marco Spagnoli.
 
 
Los años de la dolce vita
 
Sala Exposiciones Canal de Isabel II
Calle Santa Engracia, 125
Metro Ríos Rosas
Hasta el 6 de enero de 2013
Martes a sábados: 11 a 14 h.; 17 a 20:30 h.
Domingos y festivos: 11 a 14 h.
Entrada gratuita
 
 
 
Foto: degratis.es

martes, 3 de abril de 2012

"Ilusión y movimiento: los orígenes del cinematógrafo"


Antes de la aparición del cinematógrafo de los hermanos Lumière existieron toda una serie de aparatos que se caracterizaron por asombrar al espectador mediante el engaño y la manipulación de los efectos visuales.

Esta exposición ofrece una muestra de estos inventos: sombras chinas europeas, los zootropos, las linternas mágicas o los praxinoscopios. Todos ellos jugaron un papel clave en los avances hacia la aparición de la primera cámara de cine. El éxito del relato visual cinematográfico provocó la desaparición de estos objetos. Sin embargo, en una sociedad marcada por las constantes innovaciones de los medios digitales, este apasionante viaje por el pre-cine nos permite conocer la cultura de la imagen de la que somos herederos. 

Lugar: Academia de cine. 
Horario: De lunes a viernes. De 10 a 14 h y de 17 a 20 h.
Hasta el 15 de mayo.
Entrada libre y gratuita.

Foto: retroback.info

domingo, 18 de marzo de 2012

"Antología Gervasio Sánchez"


Un total de 148 fotografías, a color y en blanco y negro, 8 murales con 100 retratos y seis audiovisuales componen esta Antología de Gervasio Sánchez, que recorre más de 25 años de trabajo del Premio Nacional de Fotografía 2009 en numerosos escenarios bélicos y posbélicos de América Latina, Europa, Asia y África. El conjunto de imágenes reunidas incluye desde material prácticamente inédito de sus primeros años de aprendizaje hasta conocidas fotografías de actualidad y proyectos documentales. Las obras se muestran ordenadas de forma cronológica, repartidas en cinco grandes bloques temáticos: América Latina, Balcanes, África, Vidas minadas y Desaparecidos.

Antología Gervasio Sánchez

Lugar: Tabacalera (c/ Embajadores, 53)
Hasta el 10/6/2012
M a V, de 12 a 20:00 h; S, D y fest., de 11 a 20 h.
Precio: Entrada gratuita

Foto: noticias.terra

miércoles, 29 de febrero de 2012

"El anuncio de la modernidad, los míticos Estudios Moro"


Una de mis salas de exposiciones favoritas de Madrid rinde un merecido homenaje a la publicidad de animación creada por los hermanos Moro entre los años 1955 y 1970. La exposición El anuncio de la modernidad, los míticos Estudios Moro, que se puede ver desde hoy hasta el próximo día 6 de mayo en el Complejo el Águila (c/ Ramirez de Prado, 3), recoge una selección de 200 de los mejores spots publicitarios, especialmente de animación, pero también objetos, juguetes y tebeos de algunos de los productos más populares de la publicidad de los años 50 a finales de los años 70.

La aparición de la publicidad animada en España se debe al buen hacer de los hermanos Santiago y Jose Luis Moro. A fines de los años 40, los hermanos Moro fueron los creadores y máximos exponentes de la publicidad de animación para cines y televisión. 
Ganaron durante cinco años consecutivos tres Palmas de Oro en Cannes y dos copas en Venecia y más de un centenar de premios en innumerables festivales de publicidad. Durante los años 60, en sus estudios de cine y publicidad animada, trabajan trescientos personajes fijos y realizan una cantidad importante de anuncios mensuales.

Pero su inmensa popularidad se la deben en gran medida a personajes tan recordados como La Familia Telerin (que cantaban la famosa "Vamos a la cama que hay que descansar") y las mascotas del Un, dos, tres la Ruperta, la Botilde, el Chollo y el Antichollo. También suyas son las cabeceras animadas de las dos primeras películas en las que trabajó Marisol: Un rayo de sol y Ha llegado un ángel.

Una exposición hecha a medida para los más nostálgicos. Yo que tú no me la perdería.

Horarios y más información, pinchando aquí.

Foto: esmadrid

sábado, 18 de febrero de 2012

Lewis Hine


Hasta el 29 de abril, la Fundación Mapfre (Paseo de Recoletos, 23) presenta, por primera vez en España, una retrospectiva del fotógrafo americano Lewis Hine (Wisconsin, 1874 - Nueva York, 1940), una de las figuras claves de la estética del documentalismo social. La muestra está organizada en colaboración con la George Eastman House (Rochester, EEUU), de donde proceden todas las obras, y comisariada por Alison Nordström, conservadora de fotografía de dicha institución.

La exposición, compuesta por una selección de 170 imágenes-en su mayoría vintage-, ofrece un completo recorrido por su trayectoria fotográfica, y sitúa la obra de Hine en el contexto artístico, político y cultural de su tiempo, desde sus primeros retratos de inmigrantes desembarcando en Ellis Island (1904-1909, 1926) y niños trabajadores (1903-1913), hasta su labor en Europa para la Cruz Roja americana a finales de la Primera Guerra Mundial (1918-1919), o su serie sobre la construcción del Empire State en Nueva York (1930- 1931). Asimismo, el recorrido se acompaña de documentos y publicaciones de la época, algunos de ellos inéditos recientemente adquiridos por la George Eastman House, con los que Hine impulsó causas sociales como la mejora de la vivienda o la erradicación de los talleres de explotación ilegal.


Foto: charhadas

sábado, 4 de febrero de 2012

"Picasso, el eterno femenino"


La muestra Picasso, el eterno femenino exhibirá en la Sala de Exposiciones de la Fundación Canal de Isabel II (c/ Mateo Inurria, 2), hasta el 22 de abril, una selección de 66 grabados originales del artista malagueño, realizados entre 1927 y 1964, todos ellos con la representación de la mujer como elemento iconográfico común, quizás uno de los temas más recurrentes en la obra de Picasso. 

Habitante de un mundo femenino que gravitaba primero alrededor de sus hermanas y su madre, y de sus distintas compañeras y esposas más tarde, el artista se ha enfrentado a la imagen de la mujer, objeto de esta exposición, desde el lugar de quien al mismo tiempo admira e interroga al sujeto femenino.

El título de esta muestra alude a la expresión creada por Goethe en la que, según el autor alemán, el "eterno femenino" reúne a la madre y a la amada en un principio universal que remite a la propia Eva, y que por tanto unifica a las diversas modalidades de la mujer en un modelo intemporal y platónico. Esta multiplicidad de modelos femeninos se plasma en las catorce secciones en las que se articula la exposición y que recogen 66 obras originales del artista malagueño encuadradas en las distintas técnicas de su obra gráfica.


Fundación Canal (c/ Mateo Inurria, 2)
Tipo de exposición: Grabados
Fecha(s): 02/02/2012 - 08/04/2012
Sesión: laborables y fest., de 11 a 20 h. Miérc. de 11 a 15 h.
Precio: entrada gratuita.

Foto: malaga.eu

sábado, 21 de enero de 2012

"Antoni Tàpies. Años 60 y 70"


Antoni Tàpies. Años 60 y 70 es el título de la nueva muestra que se exhibe hasta el 31 de marzo en la madrileña Galería Elvira González (c/ General Castaños, 3). Se expone en ella una buena selección de las obras realizadas durante las décadas de los sesenta y setenta por el maestro del informalismo español, uno de las figuras más relevantes del arte contemporáneo español. La muestra recoge esencialmente piezas en gran formato sobre diferentes soportes y de técnica mixta, representativas de esta etapa fundamental del artista, en la que se produce su evolución más interesante. A finales de los cincuenta y durante la década de los sesenta, Tàpies experimenta con la textura de la obra dando lugar a lo que se ha venido a llamar "materias". A esta experimentación con la textura se le unirán nuevos motivos iconográficos, signos de escritura, huellas de pisadas, marcas de la mano del artista en la tela. Asimismo, ideológicamente, su obra adquiere en esta etapa un carácter fuertemente político, coincidiendo con el último tramo del franquismo.

Para más información, podéis dirigiros a la página web de la Galería Elvira González

Foto: blog.cloudart.es

martes, 11 de octubre de 2011

Fotografías de Gregory Crewdson en La Fábrica Galería



El fotógrafo americano presenta su nuevo trabajo, Sanctuary en La Fábrica Galería. La muestra, compuesta por doce fotografías, será la segunda exposición individual del artista en la galería madrileña. Este nuevo grupo de fotografías en blanco y negro son el primer trabajo que Crewdson produce fuera de Estados Unidos, usando localizaciones en los exteriores del legendario estudio Cinecittà a las afueras de Roma. La serie Sanctuary es la primera serie en blanco y negro desde Hover (1996-1997), donde Crewdson se ha movido más allá de la construcción del surreal drama humano de las series anteriores a la representación del paisaje desprovisto de presencia humana.

Los abandonados decorados exteriores han devenido el sujeto, más que un mero decorado, de sus fotografías. Moviéndose a través de calles vacías de la antigua Roma al principio y final del día, Crewdson captura atmósferas melancólicas en cada rincón, cubiertas por la sombra o iluminadas inesperadamente por un rayo de luz. Aunque los vínculos con grandes cronistas urbanos como Eugène Atget y William Eggleston son evidentes, Crewdson aporta una nueva lectura al género buscando su forma particular de verité desde el interior de los restos artificiales de la realidad cinematográfica.

El imaginario de Crewdson nace de los impulsos que forman las visiones surrealistas de artistas americanos desde Albert Bierstadt a Steven Spielberg. En el pasado, Crewdson buscó localizaciones particulares donde crear imágenes vivas con gran carga psicológica que combinaban la observación empírica con el artificio, como fotogramas de películas que nunca existieron. Estas fotografías suponían a menudo semanas de preparación y un método paralelo a la producción de películas. En series anteriores, incluyendo Twilight (1998-2002) y Beneath the Roses (2003-2007), los sentimientos de enajenación, ansiedad y rareza invaden escenas ordenadas meticulosamente que exponen dramas ocultos en la existencia suburbana.

En Sanctuary, Crewdson convierte la arquitectura escenográfica en el sujeto principal de sus instantáneas, subrayando las técnicas ilusorias que antes había usado para construir sus escenas y acciones. La serie contiene ciertas características de una película documental por la cual es expuesta la vida oculta de las películas y sus artefactos que permanecen una vez que la producción ha cesado. En varias imágenes la estructura subyacente de fachadas y el andamiaje de los decorados en descomposición son expuestos. En otras, los edificios de época son enmarcados por calles adoquinadas y, allí donde se abre la tierra ahora alcanzada por hierbas e hierbajos; las estatuas en ruinas, los graffitis raros en una pared, los charcos de agua de lluvia, y algún detrito más lejos acentúan la ausencia misteriosa de vida que estas imágenes transportan, aumentada por la luz ambiental del alba y del crepúsculo.

La escala íntima de las fotografías en blanco y negro sirve para intensificar aún más el patetismo de cada escena desierta. “En estas fotos recurrí a la tranquilidad de aspectos inherentes y misteriosos de los conjuntos vacíos. Como ocurre con gran parte de mi trabajo, pongo mi mirada en los límites difusos entre realidad y ficción, naturaleza y artificio, belleza y decadencia.”, afirma el artista.

Gregory Crewdson nació en 1962 en Brooklyn, Nueva York, y es miembro del Departamento de Fotografía de la la Universidad de Yale. Sus fotografías están incluidas en numerosos museos y colecciones públicas de todo el mundo incluyendo el Whitney Museum of American Art, New York; el San Francisco Museum of Modern Art; el MoMA de Nueva York; el Fotomuseum Winterthur de Suiza; y la National Gallery de Victoria, Melbourne. Su retrospectiva en el Kunstverein Hannover (Alemania, 2005) itineró por el Fotomuseum Winterthur y el Hasselblad Center (Suecia). En 2007 el Palazzo delle Esposizioni de Roma acogió la mayor retrospectiva de su trabajo, seguido por Sorte Diamant en Copenhague y c/o Berlin. En el I semestre de 2011 su exposición individual In a Lonely Place se ha presentado en el Kulturheset en Estocolmo y en The Royal Library en Copenhague y a fines de septiembre se presentará en el Stenersen Museum en Oslo.

LA FABRICA
C/ Verónica 13
Madrid

Fuente: http://exposicionesenmadrid.blogspot.com/2011/10/exposicion-de-fotografias-de-gregory.html
Foto: aperture.org

domingo, 9 de octubre de 2011

Absolut Art Collection


Se dice que del encuentro en una fiesta en 1985 entre Andy Warhol y Michael Roux (representante del vodka Absolut en Estados Unidos) surgió la que hoy es la prestigiosa colección Absolut Art. En aquel encuentro Warhol se comprometió a interpretar artísticamente la botella del conocido vodka, iniciando una práctica que han secundado desde entonces más de 800 prestigiosos artistas. Ahora, 30 de esas obras de arte se exponen en la galería 28012, incluyendo desde la original de Warhol a las creadas por Louis Bourgeois, Barceló, Mariné o Mariscal.

Absolut Art Collection
Galería 28012
c/ Sánchez Bustillo, 7
Hasta el 30 de octubre
Entrada gratuita


Foto: 40fakes

miércoles, 5 de octubre de 2011

"Vivimos como soñamos: solos", de Juanjo Fernández


Juanjo Fernández (Santiago de Compostela, 1966) es fotógrafo desde 1987 y alterna su dedicación profesional con su gran pasión: la fotografía. Entiende ésta como una disciplina narrativa no exenta de posibilidades poéticas cuyo mayor valor es su capacidad de reflejar fielmente la realidad. En ese sentido, huye de opciones creativas más allá de las que la propia cámara le proporciona y emplea en su obra personal fundamentalmente el blanco y negro por su gran poder de precisión y concisión.

Además del blanco y negro, en el que se siente cómodo al haber sido su primera forma de trabajo en las páginas de huecograbado del rotativo ABC, sus imágenes se caracterizan por la combinación entre la espontaneidad, adquirida en los años de trabajo en la prensa diaria, y una formalidad propia de los encargos de arquitectura, interiorismo e industrial que ha de acometer en la actualidad, dando como resultado una obra serena y equilibrada no exenta de tensión y emoción.

Vivimos comos soñamos: solos es un ensayo fotográfico desarrollado entre los años 1987 y 2000 que aborda el tema de la soledad, especialmente la soledad que asola al hombre en los entornos urbanos. En torno a la cita de Joseph Conrad en su Corazón de las Tinieblas se configuran las imágenes de personas de todo tipo y condición que parecen volver su mirada hacía el interior de si mismos lejos de su entorno. Lejos de señalar personajes solitarios, las imágenes no son sino enunciados de preguntas que asaltan a diario nuestra existencia, tanto individual como social, y que el autor, sin duda, ha tenido que abordar, transfiriendo a la emulsión sensible de la película sus propias preguntas.

Preguntas que se convierten en incertidumbre y fuente de desasosiego en una sociedad cada vez más dura, condicionada por el cambio de la percepción en el tiempo como consecuencia del rápido desarrollo tecnológico, los cambios sufridos en las relaciones laborales y la sensación de distancia entre individuos que se aprecia especialmente en las ciudades. De esta forma, a pesar del crecimiento general y aparente de la riqueza, la infelicidad individual es cada vez más frecuente, como decía Umberto Ecco en el Péndulo de Foucault, “Sólo me reconozco en la soledad de mis semejantes.”

Vivimos como soñamos: solos se presenta por primera vez al púbico en forma de exposición en el Ateneo de Madrid, una institución centenaria de larga tradición que siempre ha estado atenta a todo lo que afecta a la sociedad y que sirve de refugio a todos aquellos que deseen compartir con sus semejantes sus inquietudes e ideas. La mejor receta para la soledad: compartir.

Vivimos como soñamos: solos
Ateneo de Madrid
c/ Prado, 21
Hasta el 16 de octubre
Entrada libre


Foto: ateneodemadrid.com